Ici, la technique vocale ne repose ni sur des recettes toutes faites, ni des exercices vocaux clichés. Inspirée de la méthode Feldenkrais, l'approche Le Chant en Mouvements place le mouvement au cœur de l’apprentissage. Il ne s’agit pas de corriger, mais de réorganiser en profondeur les relations et coordinations entre gestes vocaux et intention.

On n’imite pas un modèle, on ne cherche pas à “bien faire” : on explore, on sent, on apprend à écouter ce qui se passe en soi et à laisser émerger les changements de l’intérieur.

Ce chemin vous invite à mieux comprendre votre fonctionnement vocal par l’expérience sensorielle. La voix devient alors le reflet d’un corps plus conscient, plus fluide, plus équilibré. Elle gagne en résonance, en nuance, en expressivité — non pas parce qu’elle a été “travaillée”, mais parce qu’elle est habitée autrement.

Voix de tête, voix mixte, twang, belting… ces termes reviennent souvent lorsqu’on parle de technique vocale. Pourtant, en écoutant différents chanteurs, profs de chant ou en parcourant des tutoriels en ligne, un constat s’impose : chacun y met un sens différent.

Alors que cherche-t-on vraiment à faire quand on parle de "voix mixte" ou de "belting" ? Produire un son plus puissant ? Accéder à des aigus plus stables ? Gagner en brillance, en intensité, en nuance ? La vraie question devient : qu’est-ce que vous essayez de créer, concrètement, avec votre voix ? Quelle est votre intention ?

De ce fait, ici, l’idée n’est pas de coller à une définition universelle — qui n’existe pas — ni d’imiter une technique préconçue. Il s’agit d’explorer ces notions, de sentir comment elles se construisent en vous et de les adapter à ce que vous souhaitez vraiment exprimer.

Dans le module Styles, vous êtes invités à expérimenter, tester, jouer avec ces notions. Non pour les "appliquer", mais pour en faire l’expérience directe. C’est cette approche, basée sur le (res)senti, qui vous permettra de les intégrer de manière personnelle, authentique, et cohérente avec votre identité artistique

Parce qu'ils manquent de fondement scientifique et sont souvent mal compris par ceux qui les enseignent, ici vous n’entendrez pas les conseils populaires sur la respiration, tels que 'chanter avec le ventre' ou ‘soutien vocal’.

Pourquoi ? Parce que la respiration et la voix sont des processus complexes et chaque chanteur développe ses propres stratégies respiratoires, influencées par son vécu, ses expériences et son anatomie.

L’objectif est donc de comprendre comment la respiration s’adapte à votre voix, et non de suivre une règle stricte et abstraite.

En explorant vos schémas respiratoires et en les ajustant à vos besoins vocaux, vous découvrirez une respiration qui évolue avec les exigences de votre chant : plus de stabilité, moins de tension, une plus grande capacité à tenir des notes longues, chanter avec puissance, etc.

Dans les modules Fondations et Élements, vous allez comprendre vos schémas respiratoires actuels, en explorer de nouveaux, et laisser votre voix choisir ce qui est le mieux pour chaque tâche vocale que vous réalisez.

L’intonation juste est un sujet complexe qui concerne tous les chanteurs, du débutant au professionnel aguerri. Pour apprendre à chanter juste, il n’existe pas une solution universelle et simpliste.

Les difficultés liées à la justesse vocale peuvent découler de nombreux facteurs : perception des hauteurs, habitudes vocales, tensions physiques, coordination avec l’accompagnement musical, et bien plus encore.

Dans le second module Éléments, nous abordons l’intonation sous un angle global, en tenant compte des multiples variables qui entrent en jeu. Nous n’adoptons pas une approche rigide mais plutôt une méthode qui invite à comprendre les mécanismes vocaux sous-jacents, à expérimenter, et à trouver des solutions adaptées à chaque voix et à chaque situation.

Ainsi, vous apprendrez à affiner votre oreille, à affronter les défis liés à la justesse, et à développer une relation plus fluide avec votre intonation.

Le rythme permet aux musiciens de se synchroniser et de donner à la musique sa dynamique et son énergie, en particulier dans une pratique collective.

Pourtant, pour certains chanteurs, il peut devenir un véritable défi. La difficulté à se situer dans l’espace temps de la musique ne se résout pas par des réponses simples (apprendre le solfège ou taper du pieds ne sont pas des solutions suffisantes).

Dans le second module Éléments de cette formation, vous aborderez le rythme sous différents angles, notamment du point de vue somatique. En complément, vous verrez des outils pratiques concrets pour vous aider à mieux comprendre et à vous approprier le rythme dans votre chant.

Et ainsi, développer un véritable sens du rythme, en harmonie avec votre chant et vos interprétations.

Interpréter une chanson, c’est raconter une histoire, transmettre une émotion, exprimer un message personnel. Et en la matière, il n’existe pas de règles strictes : chaque interprète façonne son propre univers.

Pour enrichir cette interprétation, il est essentiel de comprendre l’architecture musicale (dynamiques, accents, harmonies), d’expérimenter les multiples possibilités vocales (textures, résonances, effets) et d’explorer l’expression des émotions à travers le corps.

Ces éléments, qui rendent chaque interprétation unique et personnelle, sont au cœur du module Styles. Vous apprendrez à affiner les nuances, à jouer avec les contrastes et à utiliser votre voix avec créativité pour vous approprier pleinement chaque morceau.

La voix peut être comparée à une grande cuisine où l'on choisit ses ingrédients pour chanter, tandis que les styles musicaux sont les différentes recettes qui en découlent.

La comédie musicale du siècle dernier, héritière des opérettes, peut être vue comme un prolongement du chant lyrique, tandis que les styles contemporains s’inspirent souvent du blues et du RnB.

En explorant cette diversité, vous apprendrez à distinguer les éléments fondamentaux de chaque style et à comprendre comment les intégrer à vos projets artistiques.

Ce voyage passionnant est au cœur du troisième module Styles. Vous y découvrirez comment adapter votre voix et votre technique à différents genres (du classique au musiques actuelles) pour enrichir votre expression musicale.

"Apprendre à apprendre", c’est développer des stratégies efficaces pour acquérir de nouvelles compétences, tout en restant adaptable et en ajustant son approche selon les besoins du moment.

Dans le chant, cela ne se limite pas à l’application de techniques vocales : il s’agit de comprendre le fonctionnement de sa voix, d’identifier les ajustements nécessaires à sa pratique et d’adopter une démarche réflexive pour progresser avec pertinence.

C’est précisément l’objectif de l'approche ici: personnalisée et évolutive de l’apprentissage vocal.

Dans l'enseignement du chant, des termes comme respiration abdominale, voix mixte, voix de poitrine, voix de tête, belting, twang, soutien vocal, placement vocal, types de voix (baryton, tenor, soprano, mezzo,...) reviennent souvent. On reçoit souvent beaucoup d’informations théoriques avant même d'expérimenter. De cela, découle une manière de penser la voix, le chant qui peut devenir rigide ou limitante.

Dans cette formation, il est d'abord question de sentir, avant de chercher à comprendre: on part de ce qu’on perçoit, et ensuite, éventuellement, on y apporte du sens, on pose des mots dessus, on y ajoute la théorie.

Ainsi, cette formation propose également un éclairage théorique enrichissant. Vous y trouverez des explications sur l’anatomie et la physiologie de la voix, ainsi que des définitions des éléments fondamentaux du chant : son, résonance, registre, timbre, ton, etc. 

Pour les professeurs de chant et pédagogue de la voix, coach vocal, ces connaissances sont particulièrement précieuses. Elles permettent de mieux comprendre la théorie et d’enseigner avec plus de précision et de pertinence.