On vous parle souvent de posture quand vous cherchez à apprendre le chant. Il faudrait, dit-on, se tenir bien droit, aligné, presque immobile — comme si chanter signifiait figer son corps.
Pourtant, sur scène, les artistes bougent, dansent, vivent leur musique sans sembler contraints par ces règles strictes.
D’où vient ce décalage entre les recommandations de l’apprentissage et la réalité du geste vocal en contexte?
Cet article vous propose un éclairage clair et nuancé sur la posture en chant, en tenant compte de la diversité des pratiques, mais aussi des découvertes récentes, et vous propose des alternatives concrètes pour libérer votre voix sans rigidité inutile.
Pourquoi parle-t-on autant de posture en chant ?
La posture est souvent présentée comme une base incontournable d’une bonne technique vocale. Une simple recherche en ligne révèle une avalanche de conseils sur ce sujet : “tenez-vous droit”, “les pieds bien à plat”, “le buste vers l’avant”, etc.
Un site spécialisé affirme par exemple que « la manière dont vous vous tenez est le premier élément fondamental pour bien chanter ». D’autres expliquent que “une bonne posture permet d’apporter plus d’air aux poumons et d’optimiser la respiration”.
Cette vision repose sur une idée figée : il existerait une position idéale, souvent inspirée de l’enseignement lyrique traditionnel — ce qu’on appelle parfois la posture noble.
Des consignes rarement remises en question. Pourtant, sans aucun doute, leur application rigide peut faire plus de mal que de bien.
Qui adoptent vraiment une "bonne" posture ?
Quand on observe les artistes en situation réelle — en concert, en studio, dans une création scénique —, on remarque qu’ils ne chantent pas en restant figés. Bien au contraire : le corps est souvent en mouvement, impliqué dans l’interprétation, que ce soit par la danse, le jeu scénique ou simplement le plaisir de bouger avec la musique.
Dans de nombreuses cultures, le chant est indissociable du mouvement. La posture y est fluide, adaptative, au service de l’expression. Les musiques actuelles (pop, rock, chanson, jazz, rap…) suivent cette logique : l’amplification a rendu obsolètes bon nombre de contraintes physiques liées à la projection vocale.
Pourquoi ce décalage entre l'apprentissage et la pratique ?
L’insistance sur la posture “rigide” vient en grande partie de l’héritage du chant lyrique. Dans ces styles classiques, la projection vocale sans amplification impose certaines contraintes physiques, notamment un alignement précis du tronc, du cou et de la tête pour optimiser la résonance.
Mais dans les musiques amplifiées, ces contraintes acoustiques ne sont plus nécessaires.
Parce qu’en France notamment, l’enseignement vocal reste encore très influencé par ce modèle lyrique, même dans des contextes de musiques actuelles, il n’est pas rare de recevoir des conseils issus de la tradition classique — parfois totalement inadaptés à l’univers artistique visé.
Et la posture en est une belle illustration.
Adopter une "bonne" posture : un réflexe… contre-productif
Quand on parle de posture, la plupart des gens imaginent un dos droit, une nuque allongée, des épaules basses, une position tenue avec une certaine tension pour « bien se tenir ». Ce modèle, largement intégré dans les cours de chant, de yoga ou même de rééducation, semble aller de soi. Pourtant, il est à l’opposé de la manière dont notre corps est réellement conçu pour fonctionner.
Le corps humain n’est pas une statue. Il est fait pour bouger. Même debout, en apparence immobile, le corps ajuste constamment son équilibre.
Vouloir « bien se tenir » revient souvent à ajouter de la tension là où il faudrait de la fluidité.
Résultat : respiration bloquée, raideurs dans le cou, perte de réactivité et d’expression.
Une alternative : l’acture
C’est pourquoi Moshe Feldenkrais, pionnier des approches somatiques, a proposé un autre mot : acture. Là où la posture évoque quelque chose de statique, l’acture désigne un état dynamique, prêt à l’action.
C’est une organisation corporelle qui permet de réagir à n’importe quelle situation, dans n’importe quelle direction, sans préparation excessive.
Vous n’avez pas besoin de forcer ou de tenir : vous êtes déjà prêts. L’équilibre ne dépend plus d’une position idéale, mais de votre capacité à passer d’un appui à un autre, à initier un geste à partir d’une sensation, à sentir les relations fines entre vos appuis, votre bassin, votre tête, votre respiration.
Dans cette perspective, une « bonne posture » n’est pas un alignement rigide, mais une qualité d’ajustement. C’est votre aptitude à vous adapter, à bouger, à vous exprimer sans effort inutile. C’est un tonus global qui soutient l’action, pas qui la freine.
Un corps figé donne souvent… une voix figée
Un corps vivant, en mouvement, à l’écoute de ses appuis, de son squelette, de sa respiration — c’est ça, le socle d’une voix vivante, vibrante, habitée.
En résumé, nous ne sommes pas faits pour “tenir une posture”. Nous sommes faits pour bouger, sentir, ajuster. Et c’est dans ce mouvement-là que naît une voix libre.
Si vous avez envie d’explorer une approche du chant plus fluide, plus sensorielle, qui respecte le mouvement naturel du corps, je vous invite à découvrir notre formation complète — pensée pour vous guider pas à pas dans ce chemin.
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L'essentiel de cet article
L’acture est un concept issu de la méthode Feldenkrais. Il désigne une organisation corporelle dynamique, fluide, toujours prête à l’action. Appliquée au chant, elle permet une plus grande liberté vocale, et favorise le lien entre voix, mouvement, et présence scénique.
Plutôt que de chercher à “corriger” la posture, il vaut mieux explorer son corps en mouvement, développer la conscience de ses appuis et de sa respiration. Des pratiques comme la méthode Feldenkrais (utilisée dans les cours de chant en ligne sur ce site) aident à retrouver une organisation corporelle plus naturelle et efficace pour le chant.
